Occupied Territory exhibition presents works by Rodrigo Almeida, Bianca Ranucci, Joaquim Tenreiro and Juliana Vasconcellos
Whoever rises up crosses borders – Japanese proverb
In “When Faith Moves Mountains” (2002), the Belgian artist based in Mexico, Francis Alÿs, approaches the notion of borders in a poetic and symbolic way. Carried out in Lima, Peru, this project involved 500 volunteers who, using shovels, moved a few centimeters of a sand dune. The seemingly simple and repetitive action actually carries deep meanings, challenging notions of physical, social, cultural, and memory boundaries.
In this work, the act of moving a mass of sand underscores the idea that even the most seemingly immutable boundaries can be shifted (both literally and metaphorically) through individual and collective actions. It highlights the potential for engagement with oneself, with close individuals, and with strangers. The dune, a natural barrier in the landscape, thus becomes a symbol of human capacity to act and alter both the physical space and our perception of it, through individual and collective action.
In Território Ocupado (Occupied Territory), BS Galeria brings together works by four artists whose poetics and processes, in different ways, remind us of the porosity of borders and how the promotion of encounters enhances and reverberates individual movements and gestures. This process creates and recreates (from the invitation to occupy the same territory) other individual and collective memories, narratives, and symbolism. Joaquim Tenreiro, Bianca Ranucci, Juliana Vasconcellos, and Rodrigo Almeida each occupies their own space in unique ways. Through the specificity of their poetics and processes, a dialogue emerges, crossing and moving individually and collectively across borders between art and design, tradition and contemporaneity, craftsmanship and technology, as well as between “self” and “other”.
Joaquim Tenreiro (1906-1992), of Portuguese origin and based in Brazil, was a pioneer of modern design in the country. His work, which began developing in the early 1940s, significantly contributed to dissolving the boundaries between art and design. Tenreiro also devoted himself to sculpture and painting. His works combine modern forms with traditional Brazilian materials and techniques, such as the textiles chosen for upholstery, wood (especially rosewood, imbuia, and peroba), as well as straw, valuing functionality, durability, and beauty.
In the Perobinha chair, for example, he recreates the hammock, a Brazilian tradition inherited from the original peoples that has appeared in the records of European traveling artists in Brazil, such as Debret, who depicted himself working in a hammock, to works by more modern artists like Portinari and Tarsila do Amaral, and contemporaries such as Hélio Oiticica, Claudia Andujar, and Noêmia Maxakali. Used as beds or simply for leisure or rest, hammocks are present in many Brazilian homes, from North to South. In Tenreiro’s furniture, the hammock covers the structure of the chair, accommodating the upholstery.
With his creations, Tenreiro significantly contributed to the consolidation of furniture design in Brazil, proposing a new way of thinking about design as an expression of cultural identity. His work remains a reference for professionals from various fields, and his creations continue to be collected and exhibited in museums around the world.
In the work of Juliana Vasconcellos from Belo Horizonte, matter and line are also fundamental, each in its own way and purpose. Brazilian design, along with French and Nordic influences, is part of her training and interest, expanding the discussion on design beyond national borders. Working in architecture, design, and interior design, Vasconcellos dedicates herself especially to natural materials such as stone, metal, and wood. Her work is sophisticated and without excess, focusing on the light, colors, and textures of the materials.
In “Banco Trio” (2018), she uses a few lines to draw geometric shapes, whose arrangement highlights the functionality of the piece of furniture at first glance, showcasing a sophisticated economy of contours. But, while this economy refers to a certain sense of objectivity and pragmatism, the designs, colors, textures, and vertical and horizontal orientations of the African mahogany slats make another invitation – to sensitivity and subjectivity. The contemplation of the tones and textures that emerge from the slats and their rhythmic movement proposes that bodies find other orientations beyond those explained in the founding geometry of their shapes.
In the works with which São Paulo designer Bianca Ranucci occupies her territory at BS Galleria, the viewer is also invited, in the artist’s style, to explore a different relationship with furniture, which here takes on a sculptural character in the encounter with textile art. While Vasconcellos invites a sensitive dive into the materiality of the furniture she creates, Ranucci dresses modern and iconic furniture with a new layer of textiles, which transform the wooden structures with colors and volumes. With this layer, other more symbolic and subjective elements also emerge as we move around her works.
The lines in yellow fabric on the famous American chairs and the textile work used to dress two other wooden and straw chairs highlight the repetition and accumulation of gestures that place us in front of movement, memory, and time. This experience is intimate and subjective, yet also collective and pragmatic. Let us remember that research and work with fashion, in a general sense, sharpens our awareness of time: the time of collections and seasons, what was or will be a trend, references that cross decades, perhaps centuries, becoming “timeless”. Then there is the time of making – the
intimate and solitary gesture with the thread and fabric – the time of creating, dismantling, testing, adjusting, thinking, feeling, finishing, and fraying.
As a stylist, Bianca also develops “capsule collections,” an exquisite concept that reflects the way the artist works with creation in fashion and art, intertwined with time and intimacy. The textile works that cover her chairs revisit old collections and technical solutions initially created for human bodies. The empty and dressed seats are no longer just furniture; they are artistic and sculptural objects. From them, a silent dialogue reverberates, composed of the questions and answers inscribed within the lines of the bars:
“Time will imprison or free what I have experienced, solidify what I dreamed of, or remove the layers I created?”
“Time has healed the sorrows I kept, silenced the love I experienced and replaced the layers I removed.”
In the case of Rodrigo Almeida, time operates differently: through juxtaposition, in the simultaneous encounter of different materials, techniques, cultures, and territories that he uses in his creations. In his work, the designer from São Paulo, who lives between Brazil and the United States, combines Brazilian ancestral culture with a contemporary and universal repertoire. This fusion of traditions and modernity is a distinctive feature of his approach to design. It can be seen in the integration of elements from different traditions and styles, from East to West, reverberating and expanding, in new ways, Tenreiro’s reflection on design as a means of considering the diversity and complexity of contemporary Brazilian identity.
Rodrigo is recognized for seamlessly moving between design and art. His fusion of techniques and materials creates pieces that transcend conventional utilitarian functions, serving as social and environmental critiques, as well as cultural expressions. By incorporating traditional craft materials and techniques, he blurs the boundaries between the new and the old, the industrial and the artisanal, the so-called popular and the canonical.
The Exu lamp, which is part of his collection dedicated to the orixá, consists of pieces that are now part of private collections, as well as a chair that is part of the permanent collection of the Van Abbe Museum in the Netherlands. They were exhibited in 2013 at the Afro-Brazil Museum in São Paulo. Exu is the messenger orixá who opens the paths between the human and the sacred, facilitating the necessary movement for life to happen. This choice as the central theme for the lamp and other pieces in the collection reflects the cultural and spiritual importance of this orixá within Afro-Brazilian religions. It symbolizes the communication and connection between distinct cosmologies that coexist and constantly negotiate their spaces within a common, collective territory.
For that exhibition, the lamp was mounted at the entrance of the Afro Brazil Museum, following the instructions of Emanuel Araújo, then director of the museum. The choice of this location is significant for the messenger orixá. Placing the lamp at the entrance symbolizes Exu‘s function, inviting visitors to cross a portal that connects the mundane to the divine, providing a spiritual and cultural experience as soon as they enter the museum.
The collection’s international recognition, exemplified by the inclusion of a chair in the Van Abbe Museum’s collection, also highlights the relevance and universality of Brazilian design. Among his creations on display here, we highlight the furniture where the wood of its structure and the yellow color stand out. In it, we find the simultaneous use of materials and procedures characteristic of his training
and work, such as rope (present in Cadeira África and in the lamp, for example), wood, and gold leaf, which reflects his interest in jewelry and fashion. Additionally, the boundaries between the utilitarian and the artistic are blurred and brightly colored.
Seen side by side, the works of Juliana Vasconcellos and Rodrigo Almeida make their technical, formal, and conceptual specificities explicit, from the choice of materials to their approach to color, shape, and ornament. At the same time, there is a common desire to create and act in dialogue with Tenreiro’s legacy and with Brazilian design, in its relationship with art, architecture, and various cultural and political traditions. In a broad sense, this extends within and across national and regional borders. With international recognition, both place Brazil on the contemporary map of design discussions as a form of knowledge, creation, and political, artistic, environmental, and social action in the world. Bianca Ranucci incorporates this legacy and debate by choosing modern furniture as a support for her work. She covers it with her research on textiles, which are historically associated with the intimate and feminine universe, fashion, applied and ornamental arts. In recent years, textiles have been rightly valued once again.
The growing number of contemporary artists working with textiles and at the intersection of fashion and art is a testament to this resurgence. The 2020 exhibition “Transbordar: Transgressions of Embroidery in Art” at SESC Pinheiros, curated by Ana Paula Simioni, is a significant example of this. Here, Bianca brings her questions, gestures, and intimate experiences into the dialogue, adding another perspective on the relationship between tradition and contemporaneity. This is achieved through the use of textiles and the subjectivity they bring to the sophisticated, simple, and functional designs of the furniture she chooses. Francis Alÿs, in his project, understood that the porosity of borders was more metaphorical than concrete and had faith in the symbolic gesture as a way of acting in and on the world, and in what we create with and from it. His action moved hundreds of people, becoming a topic of discussion, a memory, and a part of history. It impacted the lives and perceptions of those involved, each in their own way. Every encounter has this power, and every curation is also, in its own way, an act of faith in the symbolism and power of the encounters and dialogues that the works and artists articulate, negotiate, and reverberate, from gesture to gesture, among themselves and others. The works of Joaquim Tenreiro, Juliana Vasconcellos, Bianca Ranucci, and Rodrigo Almeida are deeply connected to the joint occupation of this territory, as are the artists themselves, the spectators, and the readers of this catalogue. New memories, stories, and paths will be created from here, reverberating the power of this and other encounters.
AmandaTavares – art historian, researcher, curator
a exposição Território Ocupado apresenta trabalhos de autoria de Rodrigo Almeida, Bianca Ranucci, Joaquim Tenreiro e Juliana Vasconcellos
Quem se levanta atravessa fronteiras – provérbio japonês
Em When Faith Moves Mountains (2002), o artista belga radicado no México Francis Alÿs aborda a noção de fronteira de maneira poética e simbólica. Realizado em Lima, Peru, esse projeto envolveu 500 voluntários que, usando pás, moveram alguns centímetros de uma duna de areia. A ação aparentemente simples e repetitiva carrega, na verdade, significados profundos, desafiando as noções de fronteiras físicas, sociais, culturais e de memória.
Nesse trabalho, o ato de mover uma massa de areia enfatiza a ideia de que até mesmo as fronteiras mais aparentemente imutáveis podem ser deslocadas (literal e metaforicamente) por ações individuais e/ou coletivas, na disponibilidade para o encontro consigo mesmo, com pessoas próximas e também desconhecidas. A duna, barreira natural em um território, torna-se, então, um símbolo da capacidade humana de atuação e modificação do espaço e da percepção que temos nele e dele, a partir da ação individual e ao mesmo tempo conjunta.
Em Território Ocupado, a BS Galeria reúne trabalhos de quatro artistas cujas poéticas e processos, de formas distintas, nos remetem à porosidade das fronteiras e ao modo como a promoção do encontro potencializa e reverbera movimentos e gestos individuais, criando e recriando (a partir do convite à ocupação de um mesmo território) outras memórias, narrativas e simbologias individuais e coletivas. Joaquim Tenreiro, Bianca Ranucci, Juliana Vasconcellos e Rodrigo Almeida ocupam, cada qual, o seu próprio espaço à sua própria maneira, e é da especificidade de suas poéticas e processos que emerge o diálogo que fomentam, de um para o outro, atravessando e movendo, individual e coletivamente, fronteiras entre a arte e o design, a tradição e a contemporaneidade, a artesania e a tecnologia, entre um “eu” e um “outro”.
Joaquim Tenreiro (1906-1992), de origem portuguesa e radicado no Brasil, foi um dos pioneiros do design moderno no país, e seu trabalho desenvolvido desde o início da década de 1940 contribuiu significativamente para a dissolução das fronteiras entre arte e design. Tenreiro se dedicou também à escultura e pintura. Seus trabalhos combinam formas modernas com materiais e técnicas tradicionais brasileiras – como os têxteis escolhidos para os estofados, a madeira, especialmente o jacarandá, imbuia e peroba, além da palhinha – valorizando funcionalidade, durabilidade e beleza.
Na cadeira de perobinha, por exemplo, ele recria a rede, tradição brasileira herdada dos povos originários que aparece desde os registros de artistas-viajantes europeus no Brasil, como Debret, que se desenha trabalhando em uma rede, até trabalhos de artistas mais modernos, como Portinari e Tarsila do Amaral, e contemporâneos, como Hélio Oiticica, Claudia Andujar e Noêmia Maxakali. Usadas como camas ou apenas a lazer ou descanso, as redes estão presentes em muitos lares brasileiros, de Norte a Sul. No mobiliário de Tenreiro, é ela que reveste a estrutura da cadeira, acomodando o estofado.
Com suas criações, Tenreiro contribuiu significativamente para a consolidação do design de mobiliário no Brasil, propondo uma nova forma de pensar o design como expressão de identidade cultural. Sua atuação é ainda hoje referência para profissionais de diferentes áreas e suas criações seguem sendo colecionadas e exibidas em museus ao redor do mundo.
Na produção da belo-horizontina Juliana Vasconcellos, a matéria e a linha também são fundantes, ao seu modo e propósito. O design brasileiro, além do francês e nórdico, faz parte de sua formação e interesse, expandido a discussão sobre o design para além das fronteiras nacionais. Trabalhando com arquitetura, design e design de interiores, Vasconcellos se dedica especialmente a materiais naturais, como pedra, metal e também madeira, de forma sofisticada e sem excessos, interessada na luz, cores e texturas dos materiais.
No Banco Trio (2018), ela desenha, em poucas linhas, formas geométricas cuja disposição evidencia à primeira vista a funcionalidade do móvel, na economia sofisticada de seus contornos. Mas, se, por um lado, essa economia remete a um certo senso de objetividade e pragmatismo, por outro, os desenhos, cores, texturas e a orientações vertical e horizontal das ripas de mogno africano fazem outro convite, à sensibilidade, à subjetividade, na contemplação das tonalidades e texturas que emergem das ripas e de seu movimento ritmado, propondo que os corpos encontrem outras orientações para além da explicitada na geometria fundante de suas formas.
As linhas em tecido amarelo nas famosas cadeiras americanas e o trabalho têxtil com os quais veste outras duas cadeiras de madeira e palhinha acenam para a repetição e o acúmulo de gestos que nos colocam diante do movimento, da memória e do tempo, este íntimo e subjetivo, mas também coletivo e pragmático. Lembremos que a pesquisa e o trabalho com a moda, em sentido geral, aguçam por si só o alerta para o tempo: desde o tempo das coleções, das estações, do que foi ou será tendência, das referências que atravessam as décadas, quiçá séculos, tornando-se “atemporais” até o tempo da feitura, do gesto íntimo e solitário com a linha, com o tecido, o tempo do fazer, do desmanchar, provar, ajustar, pensar, sentir, do arrematar e o puir.
Enquanto estilista, Bianca desenvolve também “coleções cápsulas”, conceito primoroso para pensar a forma como a artista trabalha com a criação em moda e arte atravessada pelo tempo e pela intimidade. Os trabalhos têxteis que revestem suas cadeiras revisitam antigas coleções e soluções técnicas inicialmente criadas para corpos humanos. Os assentos vazios e vestidos já não são então mobiliários, são objetos artísticos e escultóricos dos quais reverbera um diálogo mudo feito da pergunta e resposta inscritas à linha no interior das barras:
“O tempo vai aprisionar ou libertar o que vivi, solidificar o que sonhei ou tirar as camadas que criei?”
“O tempo curou as mágoas que guardei, silenciou o amor que vivi e recolocou as camadas que tirei”.
Nos trabalhos com o quais a estilista paulistana Bianca Ranucci ocupa seu território na BS Galleria, o espectador também é convidado, à maneira da artista, a explorar outra relação com o mobiliário, que aqui assume um caráter escultórico no encontro com a arte têxtil. Enquanto Vasconcellos convida ao mergulho sensível na materialidade de que é feita o mobiliário que cria, Ranucci veste móveis modernos e icônicos já criados com uma nova camada, têxtil, que movimenta as estruturas de madeira
com cores e volumes. Com essa camada, outras, mais simbólicas e subjetivas, também emergem à medida que nos movemos em torno de seus trabalhos.
No caso de Rodrigo Almeida, o tempo opera de outra forma: na justaposição, no encontro simultâneo de materiais, técnicas, culturas e territórios distintos aos quais recorre em suas criações. Em seu trabalho, o designer paulista, que vive entre Brasil e Estados Unidos, articula a cultura ancestral brasileira a um repertório contemporâneo e universal. Essa fusão de tradições e modernidade é um traço distintivo de sua abordagem no design e pode ser vista aqui na integração de elementos de diferentes tradições e estilos, do Oriente ao Ocidente, reverberando e ampliando, por outras vias, a reflexão de Tenreiro sobre design como uma forma de pensar a diversidade e a complexidade da identidade brasileira contemporânea. Rodrigo é reconhecido por transitar entre o design e a arte. Sua fusão de técnicas e materiais cria peças que transcendem as funções utilitárias convencionais, servindo também como críticas sociais, ambientais e expressões culturais. Ao incorporar materiais e técnicas artesanais tradicionais, desfaz das fronteiras entre o novo e o antigo, o industrial e o artesanal, o dito popular e o canônico.
A luminária Exu, que integra sua coleção dedicada ao orixá, é composta de peças que agora fazem parte de coleções particulares e uma cadeira que integra o acervo permanente do Museu Van Abbe, na Holanda. Foram expostas em 2013, no Museu Afro-Brasil, em São Paulo. Exu é o orixá mensageiro que abre os caminhos entre o humano e o sagrado, é o movimento necessário para a vida acontecer. Sua escolha como tema central para a luminária e outras peças da coleção reflete a importância cultural e espiritual desse orixá dentro das religiões afro-brasileiras, simbolizando a comunicação e a conexão entre cosmologias distintas que vivem e negociam constantemente seus espaços dentro de um território comum, coletivo. Na ocasião daquela exposição, a luminária foi montada na entrada do Museu Afro Brasil, seguindo as instruções de Emanuel Araújo, então diretor do museu. A escolha desse local é significativa para o orixá mensageiro. Colocar a luminária na entrada simboliza essa função de Exu, convidando os visitantes a atravessar um portal que conecta o mundano ao divino, proporcionando uma experiência espiritual e cultural logo ao adentrar o museu.
O reconhecimento internacional da coleção, exemplificado pela inclusão de uma cadeira no acervo do Museu Van Abbe, destaca também a relevância e a universalidade do design brasileiro. Entre suas criações aqui expostas, destacamos o mobiliário em que se sobressai a madeira de sua estrutura e a cor amarela. Nele, encontramos o uso simultâneo de materiais e procedimentos característicos de sua formação e trabalho, como a corda (presente em Cadeira África e na luminária, por exemplo), a madeira, a folha de ouro que nos remete ao seu interesse pela joalheria, além da moda; e também os limites borrados (e em cores vivas) entre o utilitário e o artístico.
Vistos lado a lado, os trabalhos de Juliana Vasconcellos e Rodrigo Almeida deixam explícitas suas especificidades técnicas, formais e conceituais, da escolha dos materiais ao modo de lidar com eles e com a cor, a forma e o ornamento. Ao mesmo tempo, transparece o desejo comum de criar e atuar em diálogo com o legado de Tenreiro, com o design brasileiro, em sua relação com a arte, arquitetura, diferentes tradições culturais e políticas latu senso, dentro e fora das fronteiras nacionais e regionais. Com reconhecimento internacional, ambos inserem o Brasil no mapa contemporâneo das discussões do design como forma de conhecimento, criação e atuação política, artística, ambiental e social sobre o mundo. Bianca Ranucci incorpora esse legado e debate ao escolher o mobiliário moderno como suporte para o seu trabalho, revestindo-o com sua pesquisa sobre o têxtil, que historicamente está associado ao universo íntimo e feminino, à moda, às artes aplicadas e ornamentais, e que, nos últimos anos, tem sido novamente valorizado, como lhe é de fato justo.
O número crescente de artistas contemporâneos que trabalham com o têxtil e na interseção entre moda e arte é exemplo disso. A exposição de 2020 “Transbordar: transgressões do bordado na arte”, no SESC Pinheiros, com curadoria de Ana Paula Simioni, é exemplo significativo disso. Aqui, Bianca convoca para o diálogo suas perguntas, gestos e experiências íntimas, adicionando ao diálogo outra mirada para a relação entre tradição e contemporaneidade, tanto pelo uso do têxtil como pela carga de subjetividade que eles acrescentam aos desenhos sofisticados, simples e funcionais dos mobiliários que escolhe.
Francis Alÿs, em seu projeto, sabia que a porosidade das fronteiras era mais metafórica que concreta e tinha fé no gesto simbólico como forma de agir no/sobre o mundo e o que criamos com e a partir dele. Sua ação movimentou centenas de pessoas, tornou-se assunto, memória e história, atuando sobre as vidas e percepções das pessoas que se envolveram, cada uma à sua forma. Todo encontro possui essa potência e toda curadoria é também, ao seu modo, um ato de fé na simbologia e potência dos encontros e dos diálogos que as obras e artistas articulam, negociam e reverberam, de gesto em gesto,
ao redor de si mesmos e dos outros. As obras de Joaquim Tenreiro, Juliana Vasconcellos, Bianca Ranucci e Rodrigo Almeida não saem indiferentes à ocupação conjunta deste território, assim como os próprios artistas, o espectador e o leitor deste catálogo. Novas memórias, histórias e percursos se farão a partir daqui, reverberando a potência desse e de outros encontros.
AmandaTavares – historiadora de arte, pesquisa, curadoria